Caçadores de Obras Primas


                                               Por Ricardo Kimaid

Ultimamente tenho ido pouco ao cinema, face à escassez de bons filmes, e também por comodidade, pois em pouco tempo após os lançamentos, esses filmes estarão disponíveis nas locadoras, nos sites ou nos canais de televisão; é mais prático, não? Bem, no último fim de semana, alfinetado pela minha querida esposa, encaramos esse programa para assistir o filme "Caçadores de obras de Arte", cujo tema aborda os saques de Hitler e seus seguidores aos museus e aos grandes colecionadores de arte, especialmente os de origem judaica.
O filme é baseado em fatos reais, e discorre num cenário bem convincente dos últimos anos da II Grande Guerra, onde um grupo de guardiões especialistas, restauradores e historiadores das artes plásticas, liderada por um americano, Frank Stokes, se empenham em recuperar milhares de obras de artes roubadas, que estavam sendo guardadas em minas desativadas, para que num futuro próximo fossem exibidas num projeto ambicioso: um mega museu que levaria o nome de Hitler. Bem, e daí? Se não sou cinéfilo, por que estou abordando esse assunto? Explico: num determinado trecho do filme, em pleno clima de guerra, a alta corte americana questionava ao Tenente Stokes (George Clooney)  se valia a pena colocar em risco vidas humanas para recuperar as obras de arte que estavam sendo saqueadas pelos nazistas. 
Sua resposta à indagação continha um fator, um fatorzinho, que reitera tudo que venho tentando transmitir em minhas críticas à maneira como se trata a cultura nesse mundo contemporâneo. Firme, Stokes exalta o fato que não são somente as obras primas que estão em jogo, mas a cultura e a História, construídas durante séculos pelos artistas que hoje são reconhecidos como gênios. Muitas daquelas obras são uma síntese ilustrada e narrativa da época renascentista; como falar da "Madona" de Michelangelo de 1501, O "Jovem", de Rafael, o Autorretrato de Rubens, e depois Cezane,  Édouard Manet, Degas e outros, se as mesmas não fossem recuperadas? Poderiam ter o mesmo destino de centenas de trabalhos que foram queimados, principalmente os modernistas como os de Picasso e Paul Klee, entre outros que não eram do agrado do Führer. Como falar dessas obras, se nem suas cinzas estão aí para ilustrar esse período tão rico culturalmente falando, e que hoje são provas vivas dessa época?
 Uma coisa não se pode negar: Hitler era um homem de sensibilidade artística apurada, basta verificar o apreço com que tratava os artistas, até mesmo os judeus que se destacavam pelo talento artístico.
Aqueles que viajam e visitam os principais museus europeus, quando estão diante dessas obras primas, não imaginam que muitas delas poderiam ter sido queimadas, pois Hitler ordenou, perante o fracasso de suas tropas que já se desenhava, que explodissem as minas onde estocavam esses tesouros,  e tocassem fogo em milhares dessas obras, o que felizmente não aconteceu.
Ficamos livre de Hitler. Essas obras, esses  gênios, essa história, resistiram a esse poderoso lunático, mas nem por isso devemos esmorecer na luta da preservação desse patrimônio, pois os movimentos novidadeiros patrocinados pela mídia de conveniências, lutam desesperadamente para criar entulhos culturais para as gerações futura.
Fico imaginando, como se portarão as próximas gerações diante uma "peruca de arame", ou uma caixa contendo "trenas de madeira perfiladas", ou ainda "emplastres de cores de burro quando foge" debutando nas salas de museus ou paredes de colecionadores. Será que ficarão tão emocionados como no filme ficaram os historiadores diante obras primas recuperadas?
Não! Emoção é algo que hoje inexiste diante da porcariada que inundou o cenário da arte de um modo geral: no cinema, na música e nas artes plásticas. Se perguntarmos a um jovem quem foi Shakespeare, Da Vinci, Michelangelo, Chopin, é de se ter medo das respostas, pois nada se fala, escreve ou sai nas telinhas da TV que incentive a curiosidade cultural das novas gerações.
Aqui mesmo no Rio de Janeiro, criou-se uma epidemia de construir novos museus, enquanto os já existentes e tradicionais minguam pela falta de verbas para sua conservação, fruto da cultura de fazer o novo em detrimento do antigo e histórico. Recentemente fui ao MAM (diga-se de passagem, uma das mais lindas arquiteturas no gênero) para assistir uma peça em um dos seus anexos, que leva o nome de uma operadora de telefonia. O Museu em si flutuava na penumbra do espaço e de sua importância junto aos passantes que circulavam em seu entorno. Verbas para construir Museu da Imagem e do Som, Cidade da Música, Museu do Futuro e Museu de Arte do Rio, ah, para isso aparece e sobra!
É fácil chegar à conclusão da origem dos desmanches cultural disseminados pelas escolas, locais em que hoje nem o hino nacional é ensinado ou executado pelos alunos; é só  procurar as "toupeiras" que exercem suas funções nos ministérios da cultura e educação.
Brasil; país rico é país culto!

Ricardo Kimaid

ribakim@uol.com.br / www.rembrandt.com.br / tel 2273-3398

São Paulo: Arte & Estilo


Thaís Campos – Interina

Do Ukyio-ê a Yayoi Kusama         

Aberta ao público no dia 25 de fevereiro, na Galeria Deco, a exposição "Do Ukyio-ê a Yayoi Kusama" discute o uso da gravura na arte japonesa, e percorre desde o período da era do Edo até a atualidade. Com obras de quatro séculos em uma exposição, a mostra ocorre em parceria com a Musashino Art University, (Tóquio/Japão). A antiga Escola de Arte Imperial do Japão reúne obras originais criadas por mestres japoneses dos séculos XVIII e XIX, final da era Edo (nome antigo de Tóquio), exibidas ao lado de produções contemporâneas de destacados artistas japoneses e nipobrasileiros, tais como Yayoi Kusama, Kazuo Wakabayashi, Takashi Fukushima e James Kudo, entre outros. Alameda Eduardo Prado, 723, c. 13 - São Paulo. Tel. (11) 2679-6721.

Esculturas no Parque da Luz
O Parque da Luz, também conhecido como Jardim da Luz, abriga uma exposição de longa duração com esculturas que integram o acervo da Pinacoteca do Estado de São Paulo. Na área de aproximadamente 113 mil m² , cerca de 50 esculturas estão expostas, entre elas obras de Victor Brecheret, Leon Ferrari, Amílcar de Castro, José Resende, Marcelo Nietsche e muitos outros. O parque foi criado como horto botânico por uma Ordem Régia da Coroa Portuguesa em 19 de novembro de 1798, sendo aberto ao público em 1825 como Jardim Botânico, já no período do Brasil Imperial, tornando-se o primeiro espaço de lazer da população paulistana. Em 1981, o parque foi tombado como patrimônio histórico.

"Entre dois Mundos - Arte Contemporânea Japão-Brasil"
Artistas contemporâneos japoneses e brasileiros compõem a exposição "Entre Dois Mundos - Arte Contemporânea Japão-Brasil", com curadoria de Emanoel Araujo, no Museu Afro Brasil, instituição da Secretaria de Estado da Cultura. A mostra nasceu de um intercâmbio cultural São Paulo-Tokyo, do departamento de pesquisas de pintura japonesa da Universidade de Arte Musashino, que promove exposições, residências artísticas e workshops, em que os artistas trazem a arte tradicional para o mundo contemporâneo.
Este programa foi escolhido para ser o projeto internacional de intercâmbio da Universidade de Arte Musashino (Kodaira City, Tokyo), que abrange estudos de Pintura Japonesa, Escultura, Pintura a Óleo, Design de Comunicações Visuais, Fashion, Desenho Industrial, Decoração, Craft Design (trabalhos em madeira, metal, cerâmica, têxtil e vidro).
Procurado pelo artista Futoshi Yoshizawa, ex-aluno da Universidade de Musashino, o Ateliê Fidalga acolheu o projeto. Em seguida, o curador e escultor Emanoel Araujo aceitou realizar uma mostra de artistas contemporâneos dos dois países, no Museu Afro Brasil. A exposição reúne 12 brasileiros, seis nikkeis e 13 japoneses.
"Na escolha dos artistas brasileiros, pensamos na obra e como ela poderia dialogar com a tradição e a cultura japonesas, de uma maneira muito aberta, nada literal. Quando os artistas começaram a mandar as imagens das obras, vimos que os trabalhos são muito monocromáticos e têm uma harmonia", informa Sandra.
A artista exemplifica as aproximações: "Carla Chaim dialoga com a arte geométrica brasileira, mas também com o origami. O trabalho de Margarida Holler é super-orgânico, muito corpóreo, mas remete a uma paisagem, entre a abstração e a figuração, com um fazer muito meditativo. Ding Musa faz uma instalação com tijolos e espelhos, uma reflexão sobre a imagem e uma ideia de infinito, de repetição".
Os artistas:

Brasileiros: Albano Afonso, Carla Chaim, Carlos Nunes, Ding Musa, Felipe Cama, Fernando Velázquez, Flávio Cerqueira, Laura Gorski, Luiz Telles, Margarida Holler, Reginaldo Pereira e Sandra Cinto.

Receita para fazer uma feira de arte

O primeiro passo para quem quer organizar uma feira de arte é abrir uma empresa e fazer o projeto, lógico , não necessariamente nessa ordem. Depois, o responsável precisa conseguir patrocínio, o mais difícil, mas se os organizadores forem amigos, coligados ou tiverem influência junto ao prefeito da sua cidade, podem conseguir dinheiro da prefeitura. É difícil, mas há exemplo, como dinheiro que veio da Secretária  de Turismo, que nada ganha com o evento, porque o aumento da ocupação hoteleira e do fluxo de turistas não sofre nenhuma alteração, visto que quem frequenta esse tipo de evento é gente do mercado de arte, que viria à feira de qualquer jeito, com ou sem dinheiro da prefeitura. Dinheiro meu, seu, nosso, dinheiro do povo, dado sem licitação para viabilizar a realização de um evento privado que visa o lucro. Nem dinheiro de imposto a prefeitura ganhou, pois isentou de tributos a feira.
No entanto, não é fácil conseguir dinheiro da prefeitura. O prefeito de sua cidade, para liberar a verba, pode exigir que você aceite, como sócios, alguns investidores indicados, como uma dupla de empresários conhecidos. Isso é muito importante nessa receita: o ingresso, depois de tudo organizado e com o dinheiro da prefeitura na mão, de investidores coligados ao prefeito, que colocam mais dinheiro e entram no negócio. Junto aos novos sócios vem uma série de benesses, como a liberação de impostos municipais e estaduais, espaço expositivo a preço de banana ou de graça mesmo, entre outras coisas mais.
Com os novos sócios caindo de paraquedas no negócio já estruturado, atraindo mais a atenção da mídia, fica faltando o toque final para tudo dar certo. Você convoca uma coletiva de Imprensa, imprensa que engole qualquer história mesmo, e comunica que, em função da importância do projeto para a cidade e para o mercado de arte, e blá, blá, blá, além do dinheiro da prefeitura, os investidores, conscientes do potencial de lucro da feira foram convidados e aceitaram participar do projeto. Não pode dizer que os investidores foram impostos pelo prefeito. Pronto, agora é só tocar o negócio, convidar as galerias de arte e conseguir novos patrocinadores, porque aí fica mais fácil.
Mas, há mais um detalhe de suma importância: mesmo existindo outras feiras de arte no Brasil, você não deve dizer que o formato da sua é igual ou parecido com o dessas outras feiras. Você pode até copiar o formato de uma feira mais tradicional de São Paulo, por exemplo, mas nunca vai admitir isso. Vai dizer que viajou o mundo todo, que visitou os mais importantes eventos desse tipo na Europa e nos Estados Unidos, para então elaborar um projeto original e maravilhoso baseado no que essas grandes feiras internacionais têm de melhor. Que beleza!
Outro item fundamental na receita para fazer uma feira de arte diz respeito aos organizadores, que devem ser do mercado de arte, de preferência artistas plásticos desconhecidos, cujas obras ninguém ouviu falar, ou então curadores anônimos de exposições que ninguém viu, ou autores de livros que ninguém leu. Não importa, uma boa assessoria de imprensa enfeita o pavão, a mídia divulga e essas pessoas do nada viram celebridades.
Essa é apenas um das receitas para se organizar uma feira de arte no Brasil. A mais fácil!  Existem outras, mais trabalhosas, como você colocar dinheiro do seu próprio bolso, conseguir patrocínio direto ou através da Lei Rouanet, investir em publicidade, pagar os impostos devidos, escolher um bom local com um aluguel que compense o custo-benefício, convencer as galerias a pagarem bem pelos espaços etc. Mas, é claro que qualquer um vai preferir a primeira receita, quase uma fórmula mágica. (L.C.O.)

Os museus mais visitados do mundo

Em 2013 foi divulgada uma lista com os nomes dos museus de arte mais visitados do mundo, ou seja, todos os museus com qualquer forma de arte em exposição. A lista de 100 museus foi baseada em pesquisa da The Art Newspaper publicada no ano passado. Os Estados Unidos da América é o país com maior número de museus a constar nessa lista, com 21 instituições de arte entre as 100 mais visitadas. Por outro lado, Londres é a cidade recordista, com 10 museus na lista. O Brasil está representado com apenas uma instituição, o Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP), que está na 51º posição.
O museu mais visitado do mundo, como era de se esperar, é o Museu do Louvre, em Paris, com quase 10 milhões de visitantes por ano, seguido pelo Metropolitan de Nova Iorque, com pouco mais de seis milhões. Em seguida, Londres emplaca três museus em terceiro, quarto e quinto lugares: Museu Britânico (5.600.000 visitas), Galeria Nacional (4.900.000) e a Tate Modern (4.800.000). A Galeria Nacional de Washington*, D.C., aparece em 6º lugar, com mais de 4.600.000 visitantes.
Inexplicavelmente a pesquisa deixa de fora alguns dos mais importantes museus de arte do mundo, como o Museu do Palácio, em Pequim, que recebe anualmente 7 milhões de visitantes, assim como os Museus do Vaticano, que atraem 4 milhões e 300 mil pessoas. Alguns museus, como os de História Natural, também são excluídos.
A seguir a lista completa dos museus até a quinquagésima posição:

1º Museu do Louvre; 2º Metropolitan de N.Y.; 3º Museu Britânico; 4º Galeria Nacional de Londres; 5º Tate Modern; 6º Galeria Nacional de Washington, D.C.; 7º Centro Georges Pompidou, Paris (3.530.000); 8º Museu D'Orsay, Paris (3.022.012); 9º Museu do Prado, Madrid (2.800.000); 10º Museu Nacional da Coreia (2.730.204); 11º Museu Nacional Palace, Taiwan (2.574.504; 12º Museu Hermitage de São Petersburgo (2.500.000); 13º Museu Nacional de Tóquio (2.300.000); 14º Victória e Albert Museu, Londres (2.269.900); 15º Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid (2.087.415); 16º Galeria Nacional de Retrato, Londres (1.961.843); 17º Instituto de Arte de Chicago (1.846.889); 18º Museu Memorial M. H. de Young, São Francisco, USA (1.840.812); 19º Palácio do Arsenal do Kremlin, Moscou (1.572.171); 20º Galeria Uffizi, Florença (1.530.318); 21º Museu Nacional de Arte Ocidental, Tóquio (1,513,249); 22º. Galeria Tate Britain, Londres (1,501,837); 23º Museu de Arte Mori, Tóquio (1,500,000); 24º Museu du quai Branly, Paris (1,496,438); 25º Museu Van Gogh, Amsterdã (1,451,139); 26º Galeria de Arte e Museu Kelvingrove, Glasgow (1,368,096); 27º Galeria de Arte de New South Wale, Sydney - Austrália (1,312,762); 28º Museu das Crianças de Indianápolis (1,300,000); 29º Galeria Estatal Tretyakov, Moscou (1,283,401); 30º Museu de Belas Artes de Houston (1,274,774); 31º Real Academia de Artes, Londres (1,267,784); 32º Guggenheim de Nova Iorque (1,263,111); 33º Galeria Saatchi, Londres (1,260,840); 34º Palácio Ducal de Veneza (1,216,799); 35º  Galeria Nacional de Retratos de Washington (1,186,493); 36º Centro Getty, Los Angeles (1,153,903); 37º Museu Kunsthistorisches, Viena (1,140,959); 38º Academia de Belas Artes de Florença (1,130,136); 39º Museu Pergamon, Berlim (1,093,000 ); 40º  Museu Picasso, Barcelona (1,061,106); 41º Museu Americano de Arte Smithsonian, Washington (1,002,300); 42º Centro Nacional de Arte, Tóquio (994,307); 43º Pinacoteca de Paris (972,000); 44º Galeria Freer e Sackler , Washington (968,649); 45º Museu de Belas Artes, Boston (926,545); 46º Museu de Arte de Dallas - USA (907,000); 47º Museu Guggenheim, Bilbao (905,048); 48º Museu Nacional de Arte, Pequim (900,000); 49º Galeria Nacional de Edimburgo (894,161); 50º Rijksmuseum, Amsterdã (864,252).

Andy Freeberg: o tédio nas feiras de arte

Depois do grande sucesso da exposição "Guardians", o fotógrafo norte-americano Andy Freeberg chama a atenção por outra mostra - "Art Fare", montada com fotos que registram a apatia que acomete os vendedores de obras de arte nas galerias, nos estandes de feiras e salões de arte. Se em "Guardians" Freeberg focou sua lente nas mulheres "guardiãs" das principais obras de arte dos museus de Moscou (Russia), nesta última ele fotografou homens e mulheres em momentos de tédio nos estandes vazios.
"Guardians" passou por importantes cidades do mundo, entre elas Moscou, Nova York, Londres, Miami, Los Angeles e Houston. Nessa mostra Andy Freeberg nos dá uma pausa para contemplar a vida dessas mulheres e como elas se relacionam com a obra de arte em exposição. Na verdade, a obra de arte torna-se periférica, com o foco direcionado para a meditação desses personagens confortavelmente sentados. Uma guardiã pode ter uma estranha semelhança com um quadro de Vermeer, outra tem cabelo rosa que quase coincide com o seu vestido. Em seu site, Freeberg oferece histórias sobre essas guardiãs da arte: "Uma mulher na Galeria Estatal Tretyakov do Museu de Moscou disse que muitas vezes retorna lá no seu dia de folga para se sentar em frente a uma pintura que a lembra de sua casa de infância", escreve ele. "Outra guarda viaja três horas em cada sentido para o trabalho, uma vez que em casa ela iria apenas sentar em sua varanda e se queixar de suas doenças, como as mulheres velhas fazem. Ela prefere estar no museu apreciando as pessoas admirando as obras, num local rodeado pela história de seu país." 
Para a atual exposição (Art Fare), foi nas feiras de arte que Freeberg descobriu o ambiente ideal para praticar este voyeurismo artístico. Em meio a obras de arte nos estandes vazios, ele registra a apatia que acomete as pessoas, marchands e afins, colecionadores e artistas concentrados em seus aparelhos eletrônicos, ignorando as peças expostas, insensíveis às obras contemporâneas e indiferentes ao talento dos artistas. É quase uma crítica velada ao mercado de arte. Nas Galerias, os proprietários e seus funcionários ficam geralmente escondidos atrás de mesas e grandes escritórios fechados. "Mas - diz Freeberg -  nas principais feiras de arte que visitei, como Armory Show, em Nova York, e Art Basel, em Miami e na Suíça, eles estão plenamente visíveis em seus estandes. Como num palco, você pode ver os negociantes de arte encontrar com colecionadores, vendendo e negociando, falando em telefones celulares, trabalhando em laptops". Ele explica: "Fui atraído não só pelas pessoas, mas também pelas combinações de arte, roupas, equipamentos e posturas. Encontrei iluminação, figurino, cenografia para fotografar estes dioramas vivos, em que o próprio mundo da arte atua."

Nascido em Nova York, inicialmente Andy Freeberg era um observador de uma sofisticada cultura da cidade, e depois com a faculdade em Michigan, onde estudou. Começou a carreira de fotógrafo profissional em Nova York tirando retratos para publicações como The Village Voice, Rolling Stone, Time e Fortune, fotografando os gostos de Michael Jackson, Bill Gates, e Neil Young.

Antonio Dias na Fundação Iberê Camargo

  No ano do centenário de Iberê Camargo, a Fundação que leva o nome do artista abre o calendário de 2014 em 14 de março com uma grande exposição de Antonio Dias, nome fundamental da arte brasileira, assinada pela curadoria do crítico e historiador de arte, Paulo Sergio Duarte. No dia 29 do mesmo mês, as pinturas realizadas por Iberê nos anos 1980, quando deixou o Rio e regressou a Porto Alegre, foram selecionadas por Lorenzo Mammi para Iberê Camargo: As Horas - O Tempo como Motivo. Com uma abordagem do conceito antropológico de "dádiva", o sempre surpreendente Nuno Ramos apresenta no dia 30 de maio Duas Dádivas, com a curadoria de Alberto Tassinari. No mesmo dia abre a coletiva Liberdade em Movimento, com proposta curatorial de Jacopo Visconti, que utiliza o movimento (do artista ou da própria obra) como estratégia criativa. Já 22 de agosto será dedicado à Arte Povera, um dos principais movimentos da história da arte do século XX, com Traçar o Espaço Marcar, o Tempo, que tem curadoria do italiano Gianfranco Maraniello, diretor da Instituição dos Museus de Bologna.
  O grande momento da Programação acontece no dia 18 de novembro, dia em que Iberê Camargo estaria completando 100 anos. O centenário vai receber uma homenagem à altura do mestre, um dos mais importantes artistas brasileiros do século XX, com obras e apresentações exibidas nos três andares expositivos do prédio, rampas, átrio e parte externa. A montagem das atividades e da mostra oficial tem curadoria do Comitê Curatorial da Fundação, integrado por Icleia Cattani, Jacques Lenhardt e Agnaldo Farias. A programação dedicada a Iberê vai se estender até março de 2015.

Antonio Dias
Potência da Pintura
  Com abertura programada para convidados em 14 de março, a aventura cromática, a força do elemento pictórico e a contundência plástica da pintura de Antonio Dias, considerado como um elo entre o modernismo, o neoconcretismo e os artistas da década de 70, poderá ser conferida em Antonio Dias - Potência da Pintura, exposição concebida especialmente para a Fundação Iberê Camargo, em Porto Alegre. A mostra reunirá 28 obras recentes do artista (1999-2011) - 23 pinturas, esculturas, objetos e instalações - divididas entre o terceiro e o quarto andar do prédio. O boneco "peludo", com o tamanho real de um homem, Seu Marido (2002), construído com latas de refrigerantes e recoberto por lycra amarela imitando pelos, e a tela História Resumida para Crianças (2005), receberão o público já no átrio. Em seus múltiplos meios de expressão, que contemplam tela, instalações, performances, gravura, fotografia, um LP, vídeo, objetos, a pintura dos últimos 13 anos é o ponto evidenciado no recorte do crítico e historiador de arte Paulo Sergio Duarte, curador da exposição e grande especialista na obra do artista.
  "É uma exposição que eu mesmo espero ver, no sentido de me fazer perceber o que foi feito nestes últimos anos. Raramente tenho a oportunidade de ter quatro ou cinco telas recentes no meu atelier, são sempre poucos trabalhos e as exposições - proporcionalmente - são muitas. Às vezes, quando quero conviver mais com um trabalho, tenho que escondê-lo em outro atelier, para que eu possa ficar mais tempo pensando no que ele me propõe. Deste ponto de vista, a mostra é uma ocasião única também para mim. Isto foi possível graças à generosidade dos vários colecionadores e galeristas que emprestaram as obras", diz Antonio Dias. 
Para Paulo Sérgio, a pintura de Antonio Dias sempre desafia, produzindo simultaneamente superfície plana e volume. "A intensidade se divide e se movimenta de plano para plano. Diferencia-se porque cada momento da tela ao lado da tela, ao lado da outra tela, varia. Tem atritos, conflita entre si, essa briga interna, entre planos pacíficos, os vermelhos, por exemplo, que eclodem da sua verdade, evidente, e as superfícies ambíguas, que flutuam, nos cobres, dourados e verdes de malaquite".
  O processo para alcançar nuances tão ricas e únicas, com a dissolvição de cores segmentadas em porções de pinturas, já foi descrito por Antonio em entrevistas: "Às vezes é pigmento, na maior parte são minerais, mas é mais um material derramado, um banho de pós e aglutinantes que eu deixo escorrer na superfície. A única cor que é realmente tinta de pintura é o vermelho, que uso quase sempre chapado, sem marcas de pincel". 
  Em Duas Torres (2002), criadas com latas de alimentos fundidas em bronze e apresentada na Fundação Iberê Camargo, Antonio Dias faz referência à tragédia de 11 de setembro de 2001, nos Estados Unidos. "É um trabalho político explícito. Essas torres que podemos abraçar, encerram nos seus corpos a nossa tristeza e a nossa impotência diante da história. São os melhores monumentos aos mortos de nossos dias, na sua dimensão modesta, firmeza material e fisionomia do resto; daquilo que é desprezado, uma escultura à altura do pensamento de Walter Benjamin. Melhor que qualquer Arco do Triunfo e chama ao soldado desconhecido",  diz o curador Paulo Sergio Duarte em seu texto do catálogo da mostra.
  O deboche ganha forma com a obra Seu marido, cuja pele em tecido elástico amarelo foi confeccionada pela Coopa-Roca, uma cooperativa de artesanato e costura da comunidade da Rocinha, no Rio de Janeiro. "Ele é o retrato do homem contemporâneo. É grande, e exorbita na sua pele, tem pelos enormes, seria quase um gorila, não fosse amarelo. Seu membro é enorme, é um quinto membro, pois concorre com suas pernas. Vive sentado, nunca fica em pé, mas de vez em quando tem uns tremeliques. Excita-se, treme, mas depois se acalma. Essa imensa figura patética e tão divertida, sua existência quase inerte, realizada por espasmos, não tem um pouco de cada humano diante da imensidão do Ser? Esse deboche é quase um retrato", comenta o curador.
  Na instalação Satélites (2002), latas de queijo fundidas em bronze transformam-se em esculturas aéreas. "Esse microuniverso, de satélites sem planeta, sugere que o planeta somos nós. Ao observarmos, temos apenas nossos satélites que, por um momento, nos pertence", comenta Paulo Sergio.

Serviço
Exposição Antonio Dias - Potência da Pintura
ABERTURA: 13 de março, das 19h às 21h
VISITAÇÃO: 14 de março a 18 de maio de 2014

Local: Fundação Iberê Camargo, Av. Padre Cacique, 2000, Porto Alegre - RS. ENTRADA FRANCA

Cartagena das Índias

  Antecipando-se aos portugueses, os espanhóis encontraram no Novo Mundo, no século XVI, grandes tesouros de ouro, prata e pedras preciosas. A apropriação dessas riquezas não foi, a princípio, fruto da mineração, mas da dominação do México e do Peru, onde os potentados indígenas viviam em palácios ricamente adornados com valiosíssimos objetos, o mesmo ocorrendo nos templos dedicados a seus deuses.   Cidade-fortaleza, Cartagena, também chamada de Cartagena das Índias, foi edificada na Colômbia, à beira do mar das Antilhas, para servir de abrigo às frotas que, enviadas pelos Reis Católicos, deveriam transportar em seu regresso à Espanha os preciosos metais acumulados durante séculos pelos habitantes da porção noroeste da América do Sul. Após trezentos anos de lutas contra flibusteiros de várias nacionalidades, Cartagena - berço da independência da Colômbia - se converteria numa pitoresca cidade debruçada sobre o mar, onde não faltam atrativos para os visitantes, os quais podem admirar, além de velhas fortalezas ou muralhas arruinadas, os vestígios da arquitetura colonial espanhola com suas típicas casas pintada de branco. 
  A ocupação espanhola da parte noroeste da América do Sul na primeira metade do século XVI teve como resultado quase que imediato a localização de imensas riquezas minerais concentradas sobretudo no Peru e regiões vizinhas. Ouro, prata e pedras preciosas passaram a ser arrecadadas pelos colonizadores mediante a violenta espoliação dos tesouros conservados pelos povos indígenas durante centenas de anos. A remessa do produto dessa pilhagem para a Espanha exigiu a utilização de um porto abrigado e bem fortificado, aonde os navios chegados da Europa pudessem, a salvo da fúria do mar, descarregar as mercadorias que de lá traziam - e que consistiam principalmente de alimentos, roupas e armas - e receber, de volta, os metais preciosos destinados a abarrotar os reais cofres espanhóis.
  Na região costeira, banhada pelo mar das Antilhas e compreendida entre os rios Madalena e Atrato, habitavam os índios turbacos, temidos pela sua ferocidade. O nobre Pedro Heredia firmou, em 1532, na cidade de Medina do Campo, as capitulações - que eram uma espécie de contrato - para a conquista e posse da área situada entre as desembocaduras daqueles dois rios. Comandando uma pequena frota, ele desembarcou num local ao sul da foz do Madalena e fez edificar aí o primitivo núcleo da cidade de Cartagena no dia 20 de janeiro de 1533. Foi batizada em homenagem a Cartagena, na Espanha. A fim de que fosse evitado qualquer tipo de confusão com o burgo de igual nome situado na própria metrópole, nas proximidades de Múrcia, a cidade fundada na Colômbia ficou sendo conhecida, durante muito tempo, pela denominação de Cartagena das Índias. 
  A primeira preocupação dos colonos, logo depois do desembarque, consistiu em erigir sólidas fortificações destinadas a protegê-los dos ataques dos selvagens e, também, das incursões dos corsários franceses e ingleses que, já naquela época, costumavam pilhar os navios que encontravam e atacar os mais desenvolvidos pontos da costa habitados pelos espanhóis. Para esse fim foram construídos no século XVI os primeiros fortes, que receberam os nomes de El Roquerón, La Caleta, Ponta de Icacos e Manga, iniciando-se ainda o de São Felipe, que se tornaria, com posteriores acréscimos, a mais notável obra de arquitetura militar edificada pela Espanha em terras americanas. Cartagena constituiu assim uma vasta série de fortificações sob cuja proteção se desenvolveu um núcleo urbano florescente, dotado de um entreposto comercial onde eram armazenadas as mercadorias chegadas da Península Ibérica. Nas viagens de retorno esses navios eram carregados com os metais preciosos retirados das minas, dos palácios e dos templos sul-americanos pertencentes à coroa espanhola.
  No século XVII surgiu nova mercadoria - o escravo negro. Trazido da Guiné, ele começou a ser desembarcado em grande quantidade em Cartagena, onde, depois de vendido, tomava o rumo de Guaiaquil, Callao e Lima, para ser usado nos rudes trabalhos das minas ou da construção de cidades, fortalezas, estradas e palácios destinados aos conquistadores. Pedro de Claver, missionário jesuíta que atingiria a santidade por seu trabalho em favor de um tratamento humano em relação aos escravos, acabaria entrando para a história do país como Apóstolo dos Negros. Falecido em 1654, seu corpo está sepultado na capela da igreja de Cartagena que leva o seu nome. 
  A partir de 1543 Cartagena sofreu constantes ataques de corsários ou piratas de origem francesa e inglesa, alguns dos quais, como ocorreu em 1586 com Francis Drake, conseguiram vencer a resistência oposta pelas fortalezas e ocupar a cidade, de onde só saíram depois de completado o saque total e após o recebimento de pesado resgate que foi pago em ouro, prata e pedras preciosas, além de grande quantidade da rica moeda da época. Contudo, algumas investidas fracassaram, sendo a mais famosa delas a derrota que D. Blas de Lezo infligiu ao almirante inglês Edward Vernon em 28 de abril de 1741. A cidade sofreu um ataque de grande escala pelas tropas coloniais britânicas e norte-americanas, lideradas pelo almirante Vernon (1648-1757). Os atacantes chegaram a Cartagena com uma frota massiva de 186 navios e 23.600 homens, incluindo 12 mil de infantaria. Contra eles, estavam seis navios espanhóis e menos de três mil homens. Esta ação ficou conhecida como Sítio de Cartagena de Índias. O cerco foi interrompido devido ao início da estação chuvosa tropical, depois de semanas de intenso combate em que os grupos de desembarque britânicos foram repelidos com sucesso pelas forças espanholas e indígenas, lideradas pelo comandante General Blas de Lezo, que acabaria por morrer na batalha. 
  Durante todo o período colonial Cartagena manteve sua posição de principal porto não só da Colômbia como de toda a costa norte da América do Sul, apesar de suas comunicações com o interior serem feitas através de estradas rústicas e mal construídas, fato que contribuía para retardar as ligações entre o porto e as ricas zonas de mineração do Peru, do Equador e da Bolívia.
  Ao iniciar-se o século XIX - e aproveitando o período das guerras napoleônicas na Europa, que afetaram profundamente a Espanha - os patriotas residentes em Cartagena proclamaram, em 11 de novembro de 1811, sua independência política. A reação das forças coloniais espanholas, fortalecidas alguns anos após com a derrota final de Napoleão, não tardaria. Em 1815, a cidade era retomada, e só seis anos depois conseguiriam os colombianos libertá-la, definitivamente, do domínio espanhol. A independência da Colômbia não trouxe para Cartagena as vantagens que seria de esperar. Ao contrário, já em 1840 se notava sua decadência, e até mesmo seu porto - que fora sua principal fonte de riqueza e progresso - começou a ser suplantado, a partir daquele ano, pelo de Barranquilla, cidade mais ao norte, localizada às margens do rio Madalena e que se tornaria o principal porto colombiano até nossos dias. 
  A Cartagena dos dias de hoje é uma cidade que conseguiu recuperar grande parte de seu primitivo fastígio, graças, sobretudo, à exploração dos campos petrolíferos localizados no Vale do Madalena. O petróleo surgiu ai, em grande quantidade, a partir de 1917. Um oleoduto construído em 1926 liga Barrancabernia (zona da extração do óleo) ao porto de Cartagena e está fixado o ponto de atracação dos petroleiros. Capital do Departamento de Bolívar, em Cartagena estão estabelecidas várias refinarias de petróleo, fábrica de fertilizantes, salinas e diversas indústrias. 
  Os antigos fortes de Cartagena foram transformados em monumentos nacionais, destacando-se entre eles o de São Fernando que, localizado na extremidade da praia de Boccachica, guardou, ao longo dos séculos, a entrada da baía de Cartagena; o forte de São Felipe de Barajas, construção de 1657; o de La Tenaza; o de São Sebastião del Pastelillo e outros menos importantes. 
 Para o turismo, que é uma de suas principais fontes de receita, Cartagena dispõe de excelente infraestrutura hoteleira. Além dos bairros antigos - onde ainda se encontram restos das velhas muralhas da cidade e uma série de construções que remontam à época colonial, tais como o Convento da Popa, localizado na colina do mesmo nome e da qual se descortina impressionante vista da velha cidade - o visitante pode apreciar ainda a Igreja de São Pedro Claver, com seus pátios e galerias anexos e a capela onde morreu e está sepultado o santo; o Clube Naval, junto ao Forte de Santa Cruz e a Escola Naval da Colômbia, situados ambos na ilha de Manzanillo; a Torre do Relógio - um dos monumentos típicos da cidade - cuja Porta do Relógio, em sua parte inferior, era elemento constituinte da antiga muralha; a praça dos touros e o estádio de beisebol (um dos esportes mais populares do pais); as várias edificações coloniais ainda existentes na Praça da Carretas e entre as quais se distingue o Palácio da Inquisição (sede do Santo Ofício) com seu portal todo executado em pedra lavrada, e as estátuas de Cristóvão Colombo - o descobridor do continente e de quem o país tomou o nome - e D. Blas de Lezo, o herói que derrotou uma das mais fortes expedições de piratas ingleses. Além disso, há ainda a curiosa Casa do Pirata. A independência do país (1811), de que Cartagena foi palco, é lembrada pelo Parque do Centenário.
  Os cafés são muito frequentados. Convém lembrar que a Colômbia, além de possuir a melhor qualidade de café, é também, depois do Brasil, o maior produtor mundial de grãos. A maioria dos edifícios públicos mais modernos da cidade apresenta características arquitetônicas inspiradas em motivos coloniais, contrastando com os arranha-céus construídos nas partes mais novas de Cartagena. No entanto, os visitantes preferem apreciar as antigas residências locais, com seus inúmeros vestígios de uma época já bastante remota.    Cartagena é a cidade mais associada a piratas no caribe, e no mundo. O centro histórico de Cartagena, conhecido como a cidade fortificada, foi declarado Patrimônio Nacional da Colômbia, em 1959, e Patrimônio da Humanidade pela UNESCO, em 1984. No ano de 2007, sua arquitetura militar foi reconhecida como a quarta maravilha da Colômbia.

Galeria Nacional de Arte - Washington D.C.


Giovanni di Domenico - A Virgem Anunciada (1498/1503). Vitral policromado, 1,99 x 78,8 cm
Cálice do abade Suger de Saint-Denis. França, séc. XII. Na realidade trata-se de um vaso sardônico (séulos I-II a.C.), onde o abade colocou uma base de prata, adornando com filigranas de pedras preciosas, pérolas e cristais. Alt. 18,4 cm

    A  ational Gallery of Art (Galeria Nacional de Arte) de Washington está localizada no National Mall em Washington, D.C., nos Estados Unidos da América. O museu foi fundado em 1937 por uma ata do Congresso dos EUA. O colecionador Andrew W. Mellon criou um fundo para a sua construção e doou a sua coleção de arte, sendo seguido por Samuel H. Kress, que contribuiu com uma original coleção de arte italiana e mais 2.000 esculturas, pinturas, arte decorativa e porcelanas. Como resultado de legados como esses, a National Gallery hoje alberga uma das maiores e melhores coleções de pintura e escultura ocidentais no mundo.
Cálice do abade Suger de Saint-Denis. França, séc. XII. Na realidade trata-se de um vaso sardônico (séulos I-II a.C.), onde o abade colocou uma base de prata, adornando com filigranas de pedras preciosas, pérolas e cristais. Alt. 18,4 cm
    Mas, tudo começou antes, no começo da década de 1920, quando o financiador e colecionador de arte Andrew W. Mellon começou a reunir uma coleção de pinturas e esculturas antigas com a intenção de dotar o país com uma galeria de arte nacional. Em dezembro de 1936, Andrew, industrial e financeiro de Pittsburg, expressou seu desejo de doar à nação sua espetacular coleção de arte, que incluía obras de Rafael, Bellini, Constable, Van Dick e Rembrandt, através de carta dirigida ao presidente Franklin D. Roosevelt onde indicava a forma desses tesouros passarem a ser "propriedade do povo". Entretanto, somente após a sua morte, em 1937, o Congresso aprovou a resolução que autorizava a criação de fundos, fornecidos através da AW Mellon Educacional e Charitable Trust, e aprovou a construção de um museu sobre a National Mall.
   Aos quadros e esculturas de Mellon juntaram-se importantes coleções de outros doadores (Samuel H. Kress, Chester Dale, Joseph E. Widener, Lessing J. Rosenwald, Edgar William, Bernice e Chrysler Garbisch), que vieram a constituir o núcleo inicial da coleção permanente do National Gallery of Art de Washington. A criação da Galeria Nacional incentivou a doação de outros importantes acervos de arte por certo número de doadores privados. 

Claude Lorrain - Paisagem de Arcádia / O julgamento de Paris - detalhe (1645/1646). Ost 1,12 x 1
   A evolução do museu tem sido um trabalho apaixonado, inspirado nos ideais filantrópicos e democráticas do povo norte-americano. O edifício original, de estilo neoclássico, conhecido hoje como o "Edifício Oeste", foi desenhado por John Russel Pope, arquiteto que também projetou o Memorial Jefferson. A nova estrutura foi concluída e aceita pelo presidente Roosevelt, em nome do povo norte-americano, em 17 de março de 1941. No momento da sua criação foi a maior estrutura em mármore do mundo. O museu fica na área da antiga estação ferroviária da Sexta Street, mais conhecido por ser o local onde o 20º presidente James Garfield foi filmado em 1881 por um gabinete de candidatos.
   Em 1941, a National Gallery abriu as suas portas com uma elegante figura de Mercúrio em sua entrada, convidando seus visitantes. Desde então Mercúrio testemunhou a passagem de dezenas de milhões de pessoas. Uma lei  do Congresso estabeleceu entrada gratuita para o museu. Na primavera de 1978, também financiado pela família Mellon, foi inaugurado um novo edifício para abrigar a crescente coleção de obras de arte do século XX, aumentando o espaço do museu, abrindo novas oficinas e um centro de estudos.
Foi o famoso arquiteto I. M. Pei quem detectou a necessidade de projetar um museu de arte moderna, numa forma que literalmente abraçasse o público. O Edifício Leste foi construído na década de 1970, em grande parte no restante do terreno deixado ao longo do prédio original. Desenhado por Pei, a estrutura contemporânea foi concluída em 1978, e foi aberta no dia 1 de junho do mesmo ano pelo presidente Jimmy Carter. O novo edifício foi construído para abrigar o Museu da coleção de pinturas modernas, desenhos, esculturas e gravuras, além de centros de estudo, de pesquisa e escritórios. O projeto recebeu um National Honor Award do Instituto Americano de Arquitetos em 1981.
Fra Angélico e Filippo Lippi - Adoração dos Reis Magos (C.1445). Têmpera dobre madeira, Diâm: 1,37 m. A pinrura em forma redonda, pouco comum, ajuda a criar uma sensação de dinamismo na afluência de personagens que se acercam da manjedoura desde a montanha. Trata-se de uma cabana simples, um emblema da origem de toda a arquitetura clássica, segundo o famoso tratado de antigo arquiteto romano Vitrúbio. O trabalho em si é um compendio de arquittura de acordo com a interpretação de Fra Angélico, desde os muros da cidade até às casas do terraço ao fundo
   Além do West Building (Edifício Oeste), a Galeria Nacional de Arte compreende dois prédios vizinhos, conectados por um sistema de passagens subterrâneas. O "Edifício Oeste" é o mais antigo; foi projetado em estilo neoclássico e em forma de "H". O hall central foi inspirado no Panteão de Roma. O prédio abriga as coleções de arte mais antigas da National Gallery. Em contrapartida, o East Building (Edifício Leste) é o mais moderno e apresenta um design triangular. Obra do arquiteto  I. M. Pei, o East Building é composto por dois prédios triangulares, sendo o prédio menor voltado para a área de estudos.
"Muitas das obras reunidas na Galeria Nacional de Arte não só ilustram a evolução dos diferentes movimentos e estilos da história da arte, mas também representam a força das emoções humanas universais e experiências que transcenderam o tempo eo espaço." (Martha Richler, colaboradora do museu e autora do livro "Um Mundo de Arte", sobre o museu).
Leonardo da Vinci - Ginebra de Benci  (C. 1474). Óleo sobre madeira, 38,8 x 36, 7 cm. Até o final do século XV, a maioria dos quadros na Itália eram pintados com têmpera - gema de ovo misturada com pigmentos - sobre madeira. Da Vinci foi um dos pioneiros na pintura a óleo. A maestria do pintor com a nova técnica pode ser vista em seu retrato Ginebra de 'Benci, pintado por volta 1474. A névoa azul da paisagem distante acrescenta uma quietude  misteriosa ao quadro. A mata de zimbro ao fundo é resultado de uma cuidadosa observação da natureza, e a escolha da árvore é um jogo de palavras, em homenagem a Ginebra, pois em italiano "ginepro" significa zimbro
Entre os tesouros da Galeria Nacional de Arte estão obras monumentais de renascentistas italianos, cintilantes paisagens dos impressionistas franceses e robustas "pinturas de ação" de impressionismo abstrato novaiorquino.
   Além disso, a National Gallery of Art é o sexto museu de arte mais visitado do mundo. Seu acervo está exposto em ordem cronológica, e dessa forma deve ser visitado. No maravilhoso edifício neoclássico (West Building) estão expostas as coleções mais antigas, como a arte italiana dos séculos XII ao XV, nas galerias de número 1 a 13. As obras italianas, francesas e espanholas do século XVI podem ser apreciadas nas salas 17 a 28. As galerias 29, 34, 36 e 37 expõem as coleções de arte italianas, francesas e espanholas dos séculos XVII e XVIII. A arte dos Países Baixos e da Alemanha dos séculos XV e XVI estão nas galerias 35, 35A, 38 e 41A. As obras holandesas e flamengas do século XVII são mostradas nas salas 42 a 51 e no Lobby B. A galeria 52 exibe a arte espanhola do século XVIII e XIX. As obras francesas do século XVIII e começo do XIX estão nas galerias 53 a 56, enquanto as francesas a partir do segundo quartel do século XIX estão nas galerias 80 a 93. A arte britânica fica localizada nas salas 57, 59 e 61, e a arte americana nas galerias 60, 60B, 62 e 71. Ainda no Edifício Oeste, as salas 72 a 79 estão destinadas a exibições especiais.
Rafael - A Madona de Alba (C.1510). Óst sobre madeira, Diâm: 94,5 cm


   No East Building (Edifício Leste) estão expostas as obras de arte moderna e contemporânea, no térreo e no piso superior. Nas galerias G22, G23 e G29 são mostrados desenhos e impressos. As fotografias estão nas salas G30 a G34. A arte decorativa e pinturas americanas estão expostas nas galerias G42 e G43, enquanto pinturas medievais, renascentistas e barrocas, e ainda arte decorativa, ficam em exposição nas salas G10, G14 e G19. As esculturas holandesas, alemãs, flamengas e italianas, junto com a arte decorativa dos séculos XVII e XVIII estão nas galerias G11 a G 13. As esculturas francesas dos séculos XIX/XX são expostas nas salas G1 a G9. Nas galerias G20A e G20C fica a coleção de porcelanas chinesas. No jardim das esculturas estão espalhadas obras feitas a partir de 1867 até 2013, de diversos artistas, como Joan Miro, Tony Smith, Joel Shapiro, Barry Flanagan, Alexander Calder e Hector Guimard.

Pompéia, aqui e no cinema



   O filme Pompéia - Um império à sombra de um poder maior estreia este mês nos cinemas, conta a história épica de Milo, um escravo que se tornou um gladiador e que se encontra em uma corrida contra o tempo. Alguns dias antes da lendária erupção do vulcão Vesúvio, Milo está preso dentro de um navio, em direção à Nápoles. Ele vai fazer de tudo para escapar e salvar a mulher que ama, Cassia (a bela filha de um comerciante rico que foi prometida a um corrupto senador romano), além de ajudar o seu melhor amigo, um gladiador que está em dificuldades no interior do Coliseu. Tudo isso em meio à destruição da cidade de Pompéia causada pela erupção do Monte Vesúvio.
Antiga pintura mostrando a erupção do Vesúvio
   Corria o ano 79 d.C. na Itália. O sol radiante que nascia no dia 24 de agosto prenunciava mais um belo dia de verão na maravilhosa baía de Nápoles. Muito embora os nobres e os ricos comerciantes ainda dormissem, os primeiros raios iluminavam o movimento matutino de Herculano. A cidade acordava preguiçosamente, uma pérola encravada no meio de belos jardins, pomares e plantações verdejantes que se perdiam nas faldas do Vesúvio. Em Pompéia, localizada à direita do Vesúvio, muitas pessoas dirigiam-se para a Via dell' Abbondanza, o novo e provisório centro de compras. A cidade era um grande canteiro de obras, ainda estavam trabalhando na reconstrução depois do terremoto que há 14 anos atingira toda a baía de Nápoles, sendo Pompéia a mais atingida. Ninguém, nas duas cidades, dava muita importância a uma montanha ali ao lado, esquecendo que aquela elevação em particular tinha uma cratera no meio.
   Erguendo-se imponente sobre as duas cidades, o vulcão Vesúvio estava inativo há séculos. De repente, naquela radiosa manhã de 24 de agosto do ano 79 d.C., o Vesúvio acordou. Com uma tremenda explosão, entrou em erupção. Durante as 11 horas seguintes a coluna de fumaça, cinza e lapilli atingiu 20 quilômetros de altura, escurecendo todo o céu. O dia virou noite. A primeira erupção atingiu Herculano, cidade vizinha a Pompéia, matando todos que se encontravam na cidade. O vento soprava para o sudeste e Pompéia recebeu uma chuva de pedra-pomes, cinzas e fragmentos de lavas, cuja espessura crescia 15 centímetros por hora. Por volta de meia noite as cinzas e os gases jogados na estratosfera começaram a cair novamente nas faldas do vulcão, formando nuvens incandescentes, com avalanches letais caminhando a uma velocidade de 300 quilômetros por hora e atingindo a temperatura de centenas de graus Celsius. Começou a chover às 5 horas da manhã de 25 de agosto. Pouco depois das seis horas outra nuvem incandescente sufocou Pompéia. Nesse meio tempo a chuva formou um rio de lama, caminhando em direção a Herculano, enterrando toda a área. O fato é que, primeiro Herculano, depois Pompéia, num piscar de olhos sumiram do mapa.
As ruínas do Templo de Apolo em Pompéia
   Naquela época, Pompéia tinha 25.000 habitantes, muitos deles prósperos cidadãos: fazendeiros, banqueiros, capitães de navios e comerciantes. A cidade ostentava cerca de 200 bares, pousadas e restaurantes, tinha 33 padarias, e Thermoplia, as "lojas de fast-food" que acondicionavam os alimentos quentes nos grandes vasos de terracota. Moradias de dois andares eram ricamente decoradas. Algumas tinham água encanada e banheiras de hidromassagem. Pompéia abrigou 41 locais de prostituição e um bordel público no meio da cidade, uma estrutura de dois andares.

A grande catástrofe
   Em 79 d.C. a cidade era um grande canteiro de obras em função do primeiro cataclisma que atingiu Pompéia: em 62 d.C. um grande terremoto atingiu todas as cidades da baía de Nápoles, principalmente Pompéia, destruindo até o Capitólio que ficava no meio do Forum. O trabalho de reconstrução seguia lentamente. Dezessete anos depois do terremoto, no momento da erupção do Vesúvio, o templo de Júpiter e os edifícios em volta do Forum ainda não haviam sido terminados. Importantes serviços como o "castellum aquae", sistema de abastecimento de água da cidade, ainda não havia sido reparado. O comércio e o centro de compras foram deslocados na direção da Via dell' Abbondanza, o pequeno Templo de Isis foi reconstruído por iniciativa privada, as casas de toda a península foram substituídas por suntuosos balneários centrais. Lugares que haviam sido outrora ricos e magníficos estavam agora abandonados e decadentes, enquanto novos edifícios surgiam, decorados com materiais esplêndidos.
   Foi durante aquele período de recuperação lenta que veio o golpe final: depois de séculos de inatividade, o Vesúvio voltou à vida novamente. Um excepcional relato da tragédia, que foi a mais ruinosa que atingiu o mundo no começo da nossa era, foi dado por uma testemunha ocular, Plínio o Jovem, em duas cartas dirigidas a Tacitus (grande literato e historiador romano do século II d.C.). Esta é a mais vívida descrição do terrível cataclismo que destruiu todo o lado leste do Golfo.
   Na manhã de 24 de agosto, uma longa coluna de fumaça cresceu da antiga bacia do Monte Soma (o cone do Vesúvio naquele tempo era menor do que hoje). Logo em seguida, por volta das dez horas, um enorme bloco de lava que tinha obstruído o cone do vulcão por milhares de anos explodiu, sendo jogado no ar em inúmeros fragmentos. Como a lava escorreu pela montanha, os maiores fragmentos caíram de novo na cratera, enquanto os menores se transformaram em pequenas pedras-pomes que, misturadas à fumaça venenosa, formaram uma grande nuvem que o vento levou cerca de cento e quarenta milhas ao sudoeste.
   A chuva de cinza caiu por quatro dias, sobre toda Pompéia. Terremotos continuados devastaram também as cidades de Nápoles, Nola e Sorrento, que não sofreram tanto com a chuva vulcânica. Herculano sofreu uma tremenda inundação de lama (material de rocha eruptiva acumulado nas beiras da cratera e arrastado pela imensa massa de água produzida por uma excepcional convulsão vulcânica) submergiu primeiro as vilas e depois a encantadora cidade debaixo de dez a vinte metros de espessa camada, preenchendo cada buraco e empurrando a linha da costa para duzentos metros mais adiante.
   Cerca de duzentas pessoas morreram imediatamente somente em Pompéia, e numerosas pessoas, além daquelas que ficaram para trás em vez de fugirem logo, morreram sufocados pela fumaça venenosa que caiu misturada com a chuva (Plínio, o Velho, foi uma delas).
   Titus Flavius Vespasianus, que havia sido eleito imperador, imediatamente providenciou provisões para os sobreviventes, formando uma comissão de ajuda à Campanha. As ruínas das casas que haviam sido abandonadas pelos seus proprietários foram usadas na reconstrução de casas daquelas cidades que ainda estavam razoavelmente intactas. Aos poucos, as cidades começaram a crescer novamente; muitos metros acima das antigas. Somente Pompéia não foi reconstruída no mesmo lugar.
   O Vesúvio entrou em erupção várias vezes na história, sendo que a erupção mais famosa foi a de 79. Seguiram-se outras em 472, em 512, em 1631, seis vezes no século XVIII, oito vezes no século XIX (com destaque para a de 1872), em 1906, em 1929 e em 1944. Não houve nenhuma erupção desde 1944. Na erupção de 79, o vulcão enviou cerca de 4 km³ de cinzas e rochas, tendo estas coberto as cidades de Pompéia e Herculano. Neste ano as erupções foram tão grandes que toda a Europa do sul esteve coberta por cinzas; em 472 e em 1631, as cinzas de Vesúvio caíram em Constantinopla (agora chamada Istambul), a mais de 1609 km de distância. É o único vulcão do continente europeu que há quase 19 séculos manifesta atividade regular.
   Hoje, cerca de 3,5 milhões de pessoas vivem na sombra do Vesúvio, que continua a ser o único vulcão ativo na Europa continental.


Museu Alemão da Arquitetura em Frankfurt


   Um casarão antigo às margens do rio Meno, na Museumsufer em Frankfurt, na Alemanha, abriga desde 1984 o Museu Alemão da Arquitetura (DAM). Ali surpreende a "casa-na-casa", que o famoso arquiteto Oswald Mathias Ungers construiu no interior do prédio sem paredes internas.
   Muitos visitantes vão maravilhar-se com a famosa obra de Ungers, que o próprio arquiteto aponta como a sua "melhor construção". O DAM funciona sobretudo como pavilhão de exposições, embora sua mostra permanente sempre exponha tesouros do seu acervo. Cinco a seis novas exposições anuais proporcionam visões incomuns da arquitetura atual, da história da arquitetura e do urbanismo, não só da Alemanha.
  O museu envia exposições próprias para o exterior e hospeda mostras internacionais. Além dissso, há jornadas, excursões e simpósios, aperfeiçoamento para professores, muitos eventos que tornam a arquitetura vivenciável. 


São Paulo: Arte & Estilo

Exposição traz destaques da coleção de arte contemporânea de Sérgio Carvalho

    A exposição "Duplo Olhar - Um recorte da Coleção Sérgio Carvalho" , que abriu para o público no dia 25 do último mês, apresenta  mais de uma centena de obras de arte contemporânea pertencentes ao advogado Sérgio Carvalho, selecionadas pela curadora Denise Mattar.
Flávio Cerqueira
   Durante anos, o colecionador formou um significativo conjunto de obras que reúne importantes artistas brasileiros. Seu olhar, atento e amoroso, ajudou a construir algumas dessas carreiras e ele continua a apoiar novos artistas. Residente em Brasília frequenta o circuito Rio-SP e acompanha a arte produzida no Centro-Oeste, Norte e Nordeste, o que garante uma representatividade nacional à coleção. O olhar da curadoria traçará, através da coleção, o percurso da arte brasileira rumo ao circuito internacional, do qual hoje faz parte. Serão apresentados 116 trabalhos de diferentes mídias e artistas de faixas etárias diversas.
   Hoje, pintura, escultura, desenho, fotografia, vídeo e instalação não mais se excluem; elas se contaminam, aumentando o espectro de criação e possibilitando leituras complexas e complementares. A curadora agrupou as obras em temas que traduzem alguns dos principais assuntos da arte contemporânea: Corpo, Non-Sense Stories, Memórias- Segredos e afins, Referências, Tessituras, Paisagens-Paisagens, Luz e Narrativas.
 Entre os dias 25 de janeiro e 6 de abril no Paço das Artes (Avenida da Universidade, 1, Cidade Universitária, São Paulo - SP)

5ª Mostra SP de fotografia
   Entre os dias 25 de janeiro e 23 de fevereiro acontece na zona oeste de São Paulo a 5ª mostra de fotografia e nela os artistas homenageiam a cidade e seu 461º aniversário.
Foto de Bubby Costa - participa da 5ª mostra SP de Fotografia
   São mais de mais de 40 exposições envolvendo 150 nomes, entre eles: Bubby Costa, Carlos Moreira, German Lorca, Tuca Reines, Jorge Bodansky, Ed Viggiani, Claudia Guimarães, Claudia Jaguaribe, Lucas Lenci, Lalo de Almeida, Márcio Távora, coletivos Trema e Selva SP, Felipe Russo, Ricardo Barcellos, Mauricio Lima, Paulo Vainer e outros. Em seus trabalhos à mostra, esses profissionais homenageiam a capital paulista sob óticas subjetivas, tendo como ponto de partida a cidade em si.

    Além das mostras, que ficarão espalhadas por diversas galerias e espaços da Vila Madalena, acontecerá ações paralelas. Uma delas é o workshop realizado em parceria com a celebrada cooperativa francesa de fotografia Magnum Photos. De 17 e 21 de fevereiro.
   O evento também será marcado pelo lançamento da Academia Paulista de Fotografia. A primeira edição do projeto reúne 12 renomados fotógrafos nacionais, responsáveis por 12 trabalhos exclusivos voltados para imagens da capital paulista, cujo objetivo é incentivar a coleção.

140 caracteres

140 caracteres
   Cento e quarenta toques, 140 obras, vinte curadores, um coordenador, número de seguidores desconhecido. Esse é o saldo de um ano de trabalho realizado no Laboratório de curadoria do MAM
Trabalhando individualmente e em grupo, os vinte alunos do Laboratório de curadoria escreveram e reescreveram textos até conseguirem expressar claramente seu desejo comum: organizar uma exposição com obras na coleção do MAM que incitassem a reflexão sobre a mobilização política por meio de redes sociais.
   A mostra 140 caracteres surgiu desse desejo coletivo e da participação do grupo em todas as etapas do processo de realização, da pesquisa no acervo à concepção da museografia, da ação educativa à captação de recursos, da produção de legendas às estratégias de marketing. Inserindo-se nos diversos setores do MAM, os alunos do Laboratório aprenderam na prática como se faz uma exposição.
As 140 obras estão dispostas nas duas salas expositivas do museu
   Curadoria coletiva - Coordenação: Felipe Chaimovich / duração: 28 de janeiro a partir das 20h até 16 de março de 2014 no Museu de Arte Moderna de São Paulo (Parque do Ibirapuera - av. Pedro Álvares Cabral, s/nº - Portão 3)


Informações para essa coluna: jornalareliquia@gmail.com

A Rebimboca da Parafuseta

                                               Ricardo Kimaid

   Há muito preparei esse artigo, em reação a um artigo publicado sobre a artista plástica Adriana Varejão, em página inteira do jornal "O Globo" de domingo e, pouco tempo depois, a Globo News dedicou uma reportagem considerável sobre, segundo nossa imprensa, uma das mais importantes entre os principais artistas brasileiros.
   Desta feita, vou me desviar dos méritos que lhe prouveram tal importância, e a pertinência do proposto contidos nessas reportagens, fazendo breve considerações sobre o diálogo entre entrevistadora e entrevistada. Pode parecer que estou sempre de espírito prevenido quando trato desses assuntos referentes ao atual quadro patético do mercado de arte. A mídia embota o cérebro das pessoas, imobiliza seu raciocínio, dizima qualquer sentido crítico. Parece, cada vez mais, que o ser humano parou de pensar, acomodou-se e não reage ao que seus olhos deveriam enxergar como discrepâncias, e embarcam nesse mundo aculturado proveniente das telinhas de TV.
   Mas, voltando à reportagem, a entrevistadora Bianca Ramoneda propõe um diálogo surreal com a artista sobre sua obra, cujas perguntas e respostas viajam em nuvens metafóricas, e, como eu não  uso cannabis sativa para embarcar nesse delírio, fiquei apenas com a perplexidade.
   Minha gente, nada contra a artista, suas opções de técnicas ou como ela vê e se inspira para realizar seus trabalhos. Há mercado para as diversas  tendências, e eu respeito isso. Gosto não se discute, mal gosto, lamenta-se! Tampouco estou direcionando minhas críticas pela escolha de cada um. O escopo de minha discordância, refere-se à idolatria nutridas de superficialidade, a generalizada  insanidade cultural promovida pelos os veículos de comunicação, criando super stars, mitos, modas, costumes e tendências. É o verdadeiro canto da Sereia, que hipnotiza a humanidade, cada vez mais desprovida do sentido de lucidez.
   Em dado momento da entrevista, a artista cita Iberê Camargo e Goya como inspiradores. Ótimos nomes, mas tão distantes exemplos, e, em se tratando de inspiradores para suas obras, absolutamente não tem nada a ver! Conheci Iberê, e conheço sua obra e em todas as suas fases, sinceramente não encontro nada que identifique a artista com seu inspirador, a não ser, talvez, o uso abundante de matéria em alguns dos seus trabalhos. Mas isso não vem ao caso. Se analisarmos toda a trajetória da vida e obra de Iberê, chegaremos a triste conclusão que as melhores obras desse artista, cujo acervo encerrou-se há mais de 20 anos, jamais encostaram, em valores de mercado, às cifras perto de R$ 3 milhões alcançados no leilão da Christie's de Londres, segundo ela e os veículos de comunicação, fato que me reservo o direito de desconfiar de sua veracidade. Quanto a Goya, bem, nada a comentar!
   Outro trecho da entrevista que achei hilário foi a explicação que Adriana faz ao dar nomes às cores da sua palheta, gostei muito da designação "cor de burro quando foge"; fantástico!
Faz-me lembrar a tal "rebimboca da parafuseta" usada pelo mecânico para definir um problema no motor do carro.
   Pois é, meus amigos, é assim que se põe um nome no pedestal da fama. A imprensa não se preocupa em colocar nos seus quadros de jornalismo e entrevistadores pessoas com erudição notória para discorrer sobre os temas que abordam, e por conta disso, certas entrevistas chegam a ser hilariantes, se vista por alguém com o mínimo de cultura sobre o mundo que envolve as artes plásticas.As aberrações se multiplicam, e, por incrível que pareça, elevando o status do entrevistador e do entrevistado. Em determinadas vezes, se levarmos em conta o produto do diálogo entre eles, chegaremos à conclusão que seu conteúdo não daria para encher uma caixinha de fósforo. Mas infelizmente, é o que fica, embora por pouco tempo, pois a fila anda e a mídia tem que vender novos produtos.
   Finalizando, que deixar claro que até aprecio alguns trabalhos de Adriana Varejão, e minhas dissonâncias são em relação à sua posição no ranking dos artistas plásticos brasileiros, que alguns querem colocar; longe da realidade, cujo objetivo principal são interesses mercantis entre patrocinadores e a mídia nesse conluio.

Ricardo Kimaid
rkimaid@uol.com.br

www.rembrandt.com.br
tel 2273-3398

Museu Bode






Pequeno retábulo de marfim representando a Crucificação - 
Constantinopla, século XI. Esse tipo de altar de pendurar 
foi utilizado para a devoção privada, inclusive em viagens
   Localizado na Ilha dos Museus, em Berlim, na Alemanha, o Bodemuseum (Museu Bode), que desponta no lado norte do rio Spree parecendo um navio a vapor, com sua proa arredondada e enorme cúpula, abriga a mais significante coleção sobre o desenvolvimento da escultura europeia, abriga o Museu de Arte Bizantina e a Coleção de Numismática. O edifício do museu foi construído por Ernest von Ihne entre os anos 1897 e 1904.
   O nome Museu Bode é uma homenagem ao primeiro curador, Wilhelm von Bode, em 1956. Foi o quarto museu a ser construído na Ilha dos Museus e originalmente chamava-se Kaiser Friedrich-Museum. Foi projetado em estilo barroco pelo arquiteto da corte Ernst Eberhard von Ihne. Wilhelm von Bode introduziu o conceito de “salas por estilo”, no qual numa mesma sala eram exibidos pinturas, esculturas, móveis e outros objetos de arte de um mesmo estilo artístico, algo incomum para a época, porque, até então, os diferentes tipos de obras de artes eram exibidas separadamente.
Mater Dolorosa, atribuída a Pedro Roldán - Espanha, cerca de 1670/75. 
Este busto da Virgem Maria chorando é quase chocante neste realismo. 
Sua pele é pálida, com os olhos cheios de tristeza e até mesmo lágrimas (de vidro) 
correm pelas faces da mãe de Cristo. Roldán realiza uma obra tipicamente barroca, 
atendendo a demanda por figuras de devoção na época, 
com a intenção de incentivar a emoção e a compaixão do espectador.
 Aqueles que oravam deviam ter a sensação de que a
 Virgem Maria estava em frente eles e podia ouvir as suas orações
   
No seu interior luxuosamente decorado, estão expostas obras excepcionais de escultura europeia desde o final da antiguidade até o Neoclasicismo. A coleção de esculturas mostra a arte da Cristandade Oriental (com ênfase na Igreja Ortodoxa Copta, do Egito), esculturas do Império Bizantino e de Ravena, da Idade Média, do Gótico italiano e do começo do Renascimento. Obras alemãs do final do Gótico estão representadas por Tilman Riemenschneider, pela Renascença do sul da Alemanha e pelo barroco prussiano até o século XVIII.
DONATELLO - Madona Pazzi, Florença, cerca de 1420. Donatello, o escultor mais importante do início do Renascimento italiano, concentra-se completamente sobre a relação da mãe com um filho, representando uma cena muito íntima para esse período. Ao mesmo tempo, o artista também procura enfatizar para o espectador que não é qualquer criança, mas o Filho de Deus a quem a Mãe dá a sua atenção. Além disso, este baixo-relevo atesta o excelente domínio da perspectiva por parte de Donatello
  
 O Museu Bode expõe também uma das maiores coleções de numismática do mundo, de moedas que remetem ao começo da Casa da Moeda, na Anatólia do século VII a.C. até moedas atuais. São mais de 750 mil itens. As coleções expostas são complementadas com algumas pinturas, dentro do referido conceito de “salas por estilo” introduzido por Bode. A Coleção de Arte Bizantina em exposição no Bodemuseum é a única deste tipo na Alemanha. Os objetos são originários principalmente da região do Mediterrâneo, incluindo Itália, Turquia, Grécia, Egito, Norte da África, Oriente Médio e Rússia. Dentre os objetos expostos encontram-se sarcófagos do fim da antiguidade e fragmentos de sarcófagos de Roma, esculturas do Império romano Oriental, mosaicos, inscrições, relevos em marfim, assim como objetos e utensílios, além de objetos religiosos da época pós-faraônica no Egito.

Michel Erhart ou Friedrich Schramm - Madona com o Manto Protetor, Ravensburg, cerca de 1480. Sob o manto da Mãe de Deus todos os níveis sociais da população são representados, pedindo a sua proteção. As figuras estão vestidos como no final do séculu XV.  A escultura no estilo gótico tardio é de uma igreja da cidade de Ravensburg, não muito longe do Lago de Constança. Até hoje não foi estabelecido quem foi o responsável por este trabalho

   O amplo hall de entrada do museu é uma reminiscência de um salão de festas de palácio ou de uma igreja barroca. No centro está uma estátua equestre do “Grande Eleitor” por Andreas Schlüter de 1700. No hall, além deste trabalho, se destacam também os medalhões de ouro nas paredes que fazem referência aos governantes da Prússia. A “Basílica” ao lado ainda exemplifica o conceito original do museu, onde o estilo de arquitetura foi concebido para corresponder às obras expostas.
   Do final dos anos 90 até 2005 o prédio do Museu Bode passou por novos trabalhos de restauração e em outubro de 2006 o museu foi completamente reaberto. Juntos, as instituições da Ilha dos Museus são, sem dúvida, “o mais importante complexo de museus do mundo”, como bem disse Neil McGregor, diretor do British Museum.
Anjo do túmulo de um santo - Colônia (Alemanha) Cerca de 1170. Peça originária de uma igreja de Colônia, cidade às margens do Reno que foi um dos centros da arte românica na Alemanha. Originalmente, o anjo pertencia a um grupo de figuras representando o milagre da ressurreição
de Cristo

IGNAZ GÜNTHER - São Miguel derrotando o Diabo, Bavária, cerca de 1755/60. O combate vitorioso do Arcanjo Miguel com o Diabo é um motivo típico da igreja Católica na Contra-Reforma, usado no contexto de uma conquista. Com um movimento ágil de São Miguel, o Diabo, com sua presunção de ser como Deus, foi amargamente punido. O escultor barroco bávaro Ignaz Günther presumivelmente executou o grupo para o púlpito de uma igreja















GIOVANNI BOLOGNA - Marte, Florença, 1580.
O deus clássico caminha para a frente da guerra, com passo forte e elegante. 
O escultor concebeu Marte com um estilo tipicamente maneirista
 e postura sofisticada. A figura, de aproximadamente 40 cm de altura,
 é um excelente exemplo dos pequenos bronzes, populares no século 16,
 que foram feitos para ser "bonitos por todos os lados". 
Giovanni Bologna foi escultor da corte dos Médices em Florença
Francesco di Valdambrino - A Virgen Maria na cena da Anunciação, 
Toscana, cerca de 1420. Reagindo a um anjo correspondente perdido, 
a Virgen Maria responde ao anúncio de que ela vai dar à luz o Filho de Deus.
 Sua expressão facial e os gestos lembram uma atriz no palco. 
Durante o século XV, na Itália, essas encenações foram muitas vezes criadas
 no meio de uma igreja para dar mais vida à história do cristianismo aos olhos dos cristãos